Bonjour! Je m’appelle Mark Olsen. Bienvenue dans une autre édition de votre guide de terrain dans le monde des meilleurs films.
Il y a ici beaucoup d’informations sur les formats de films – celui-ci est projeté en 70 mm, il sera projeté en 4K, etc. – des informations qui deviendront de plus en plus intenses à mesure que “L’Odyssée” approche.
C’est avec grand plaisir que le New Beverly Cinema présente cette semaine le meilleur film de Paul Thomas Anderson, “One War After Another”, dans une nouvelle copie 35 mm. Attends, tu te dis, ce film n’est pas encore sorti ? Et tu as raison.
Bien qu’il ait été tourné avec VistaVision et qu’un petit nombre de cinémas puissent projeter le film dans ce format, ou 70 mm, il n’y a pas eu de projections en 35 mm. Il s’agit donc d’une rare opportunité de supprimer un autre format de votre carte à succès. Les amateurs de films locaux sont plus qu’heureux de se plonger dans leurs propres aventures espiègles, fantaisistes et pleines d’esprit.
Est-ce vraiment une expérience différente dans différentes situations ? Votre kilométrage peut varier, mais c’est amusant à découvrir.
Plus de Michael Mann
Tom Noonan dans “Manhunter” de Michael Mann, désormais dans le montage du réalisateur.
(Photo du Rialto)
Pendant que le public attend avec impatience son “Heat 2” tant promis, Michael Mann continue ses spectacles à travers la ville avec ses vieux films, offrant ainsi des événements passionnants au public.
Vendredi, Mann sera au Musée d’Art Moderne pour présenter la première mondiale de ce qui s’appelle “Michael Mann’s Manhunter: The Final Cut”, une nouvelle mise à jour 4K de son thriller de 1986. Troisième œuvre de Mann, c’est ici que sa carrière cinématographique atteint son point le plus cher, un bond en avant en termes de style et d’intensité.
Adaptation du roman de l’auteur de “Le Silence des agneaux” Thomas Harris, le film suit un détective à la retraite du FBI (William Petersen), qui, pour tenter d’arrêter un nouveau tueur (Tom Noonan), doit renouer avec son ennemi juré, le Dr Hannibal Lecktor (Brian Cox).
Le film sortira en salles le 24 juillet. Dans une critique de la première version, Sheila Benson l’a qualifié de “mauvais… le véhicule sombre d’un film, qui rugit droit devant et attire le public”.
Le prix des erreurs
Jared Harris, au centre, dans le rôle d’Andy Warhol dans le film “I Shot Andy Warhol”.
(Janus Films)
Même si “American Psycho” des années 2000 est le film qui a fait connaître la réalisatrice Mary Harron, son premier long métrage de fiction, “I Shot Andy Warhol” de 1996, n’est plus en circulation depuis des années. En raison des problèmes de droits d’auteur qui ont tourmenté une grande partie des années 90, le film est prêt à être redécouvert par une nouvelle génération.
“L’histoire du cinéma est écrite, si les gens ne voient pas les choses, alors vous allez être écrit”, a déclaré Harron, 73 ans, lors d’un appel téléphonique depuis son domicile de Brooklyn. Parmi les producteurs du film se trouve Christine Vachon, qui a été annoncée cette semaine comme récipiendaire du prix commémoratif Irving G. Thalberg de l’université. “I Shot Andy Warhol” a été restauré et sera joué localement au Théâtre Nuart.
Le film de Lili Taylor joue le rôle inspirant de Valerie Solanis, la femme célèbre pour l’incident de 1968 au cours duquel elle a tiré sur l’artiste Andy Warhol et l’a grièvement blessé. Sans dénaturer son travail, le film de Harron explore la place de Solanis comme quelque chose qui ne va pas dans le monde extérieur de l’art underground new-yorkais des années 1960.
Mettant en vedette son amitié avec l’actrice trans Candy Darling (un tournant sensible de Stephen Dorff), le roman retrace comment Solanis en est venu à écrire son célèbre Manifeste SCUM (abréviation de Society for Cutting Up Men) et la spirale de résistance qui a conduit à sa brutalité.
Lili Taylor dans le film “J’ai tiré sur Andy Warhol”.
(Janus Films)
Un public plus récent et plus jeune réagira peut-être mieux à la représentation du genre et de l’identité dans le film. Lorsque “I Shot Andy Warhol” est sorti pour la première fois, la plupart des nouvelles se concentraient sur Warhol et les environs de l’usine.
“Le fait est que c’est un bon duo, il y a deux outsiders : Valérie, qui s’habille comme un garçon et qui défie le genre, et puis Candy, qui essaie d’être provocante mais de manière féminine”, explique Harron. “Ils essaient tous les deux de résister à l’avenir qui leur est réservé.”
Harris était basé à Londres. Un jour, il a vu le « Manifeste SCUM » de Solanis dans la vitrine d’une librairie, en a acheté un exemplaire et l’a lu largement.
“C’est comme un éclair”, raconte le cinéaste. “Cela m’a vraiment affecté. Je voulais vraiment diriger mais je ne trouvais pas le moyen de participer. Et j’avais 30 ans et je me disais, oh, ma vie se dégradait. Et je pense que toutes mes émotions liées à la sexualité dans la société et ma propre dépression ont été affectées. Il avait une très mauvaise analyse du comportement des femmes, de la nature des hommes. C’est un homme sage. Je vais lui parler d’une certaine manière.”
Hollywood s’est cassé
Julianne Moore dans le film “Maps to the Stars” de 2014.
(Caitlin Cronenberg/eOne Films)
Le duo composé du réalisateur David Cronenberg et de l’écrivain Bruce Wagner a donné une très mauvaise image d’Hollywood, le film “Maps to the Stars” de 2014, dans lequel Robert Pattinson est chauffeur de limousine, Julianne Moore est une actrice fanée et Mia Wasikowska est une jeune femme espérant payer en ville. Proche parent de « Mullholland Drive », le film a une sensation différente et une énergie unique qui lui est propre.
“Maps” sera diffusé dimanche aux Brain Dead Studios par Mezzanine et le magazine littéraire local “The Big One”. Wagner sera présent pour présenter le film.
Dans un article rédigé en 2014 par Jeffrey Fleishman du Times, Wagner a décrit son utilisation fréquente de Los Angeles comme un symbole psychologique d’anxiété, d’insécurité et de mal. “Hollywood est un laboratoire de désir et de vanité”, a-t-il ajouté. “Les couteaux sont toujours là, je les garde.”
Un retour à New York perdu
David Brisbin dans le film “No Picnic”.
(Tableau coulissant)
L’une des découvertes de l’année a été “No Picnic” de Philip Hartman en 1986. Sorte de néo-noir post-punk, l’histoire suit un musicien raté de New York devenu vétéran du juke-box (David Brisbin) à la recherche d’une femme qu’il voit sur une photo. Mais le film est en réalité un voyage dans un village du Moyen-Orient, plein de bars et cafés discrets, d’immeubles délabrés, d’artistes et d’artistes difficiles. Le film présente des rôles mineurs du chanteur Richard Hell et des acteurs inconnus Steve Buscemi et Luis Guzmán.
Le manager Hartman est propriétaire du Great Jones Cafe de New York – le célèbre pub Elvis qui apparaît dans le film – et a trouvé que la Pizzeria Two Boots était en plein essor. Il a créé une partie indélébile de l’histoire de la ville que son film a rendue célèbre. Le film a été une surprise au Festival du film de New York, qui se déroule chaque semaine. Une représentation unique sera donnée au Los Feliz Theatre of America samedi soir. Ne le manquez pas.
Un nouveau road trip
Silas Howard, à gauche, et Harry Dodge dans le film “By Hook or By Crook”.
(Chloe Sherman / Innocence modifiée)
Le film de 2001 “By Hook or By Crook” est une comédie sur un couple exclu (joué par les scénaristes-réalisateurs Silas Howard et Harry Dodge) qui se rencontrent et tentent de trouver leur chemin à travers le monde. Joan Jett fait une apparition mémorable.
Howard, Dodge et le producteur du Steak House seront tous présents mardi pour une projection du 25e anniversaire à Vidiots, animée par la cinéaste de “The People’s Joker”, Vera Drew. Dans un communiqué, Dodge a expliqué l’importance du film : “En créant quelque chose de différent de l’intérieur, en refusant de changer par souci d’efficacité, le film parvient à créer une bonne façon de parler de l’expression de soi et de la représentation sur le marché de masse, et de remettre en question (et changer) les idées monolithiques sur l’identité étrangère, nous rappelant qu’il existe de nombreux aspects de l’humanité.
Un dimanche Jim Jarmusch
Forest Whitaker dans le film de 1999 « Ghost Dog : La voie du samouraï ».
(Arts du divertissement)
Jim Jarmusch est l’un des meilleurs cinéastes d’ici, car ses films valent beaucoup lors des visionnages répétés. Celui que j’ai méprisé au début, mais que j’ai fini par adorer est “Ghost Dog: The Way of the Samurai” de 1999, qui mettait en vedette Forest Whitaker et un ensemble d’acteurs de films de gangsters dans l’histoire d’un tueur à gages énigmatique.
Vidiots présentera le film dimanche avec Synth History dans le cadre de sa série “Iconic Score”. C’était la première fois que RZA du Wu-Tang Clan composait la musique d’un film, et la musique mélange le crime jazzy, le drame western spaghetti et les rythmes hip-hop pour un son unique.
Ailleurs, “Down by Law” de Jarmusch, avec Tom Waits, Roberto Benigni et Ellen Barkin, sera projeté en 35 mm au Los Feliz Theatre of America dimanche soir. Il faut prévoir du temps pour voyager d’un théâtre à l’autre pour ceux qui en ont besoin.
Nouveau cette semaine
Une dernière chose…
Riz Ahmed, écrivain et star de “Bait”, a été photographié au Los Angeles Times à El Segundo en avril.
(Maison Christina/Los Angeles Times)
Je suis également l’hôte du podcast primé “The Envelope”, et même si c’est le prime time de la saison des Emmys (et de la technologie liée à la télévision), je souhaite quand même partager avec vous, mes cinéphiles, notre nouvel épisode présentant une interview de Riz Ahmed. Il a joué dans la série “Bait”, sur les problèmes qui surviennent lorsqu’un acteur sud-asiatique joue James Bond.
L’histoire est très vivante et couvre de nombreux sujets. Ahmed est très attentif à l’industrie et à la place croissante qu’il y occupe. Comme il l’a dit un jour : “C’est ici que ce sera un espace thérapeutique. Je dirais qu’il fut un temps où je voulais vraiment être dans une pièce. Maintenant, j’en suis à un point où je suis vraiment excité d’essayer de créer ma propre chambre.”
