Um teatro de arte de cinco andares em estilo veneziano no centro de Los Angeles abrirá suas portas ao público pela primeira vez em décadas na sexta-feira – não como um cinema tradicional, mas como um espaço de exibição extraordinariamente inteligente para cinema e arte.
“What a Wonderful World: A Sound Poem” dura seis semanas até 20 de março e abrange mais de 120 anos de imagens em movimento, desde o início do cinema mudo até a videoarte contemporânea. Organizada pela colecionadora Julia Stoschek – cuja base pessoal constitui o núcleo da exposição – e pelo curador Udo Kettleman, a abordagem temporária sugere que a história das imagens em movimento é menos uma linha reta do que um ciclo de feedback em que obras individuais ressurgem, ganhando um novo significado à medida que avançam para a memória cultural partilhada.
“Estamos cercados por imagens em movimento”, disse Stoschek durante uma recente visita à exposição. “Eles moldam a forma como pensamos, como nos comunicamos. São a grande linguagem artística do nosso tempo.”
Imagem da colecionadora de videoarte Julia Stoschek. A impressionante coleção de Stoshik – a melhor do mundo – está sendo exibida pela primeira vez nos EUA em uma exposição intitulada “What a Wonderful World: A Sound Poem”.
(Carlene Steele/For The Times)
A exposição é organizada pela impressionante coleção particular de Stoshik com mais de 1.000 obras de arte, das quais existem centenas. Digitalizado on-line. A arte baseada no tempo é notoriamente colecionada pelas instituições e subvalorizada pelo mercado. Mas através do seu extenso envolvimento com artistas, Stoshik acumulou uma das coleções mais importantes do mundo – e fez bom uso dela.
A Fundação Stoschek apoiou dezenas de exposições, incluindo duas galerias na Bienal de Veneza, na Alemanha, e administra museus públicos em Düsseldorf e Berlim. Para os fãs de videoarte, “What a Wonderful World” é uma turnê muito atrasada pelos Estados Unidos.
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Embora haja pipoca, não há assentos fixos, nem exibições cronometradas e nenhuma tentativa de contar uma história linear do filme. A partir das 17h À meia-noite, os visitantes são convidados a passear livremente por um profundo labirinto de imagens e sons, onde marcos do cinema como “Viagem à Lua” (1902) de Georges Melis e “Cão Andaluz” (1929) de Luis Buñuel estão espalhados pela galeria, incluindo artistas. Marina Abramovic e Wolfgang Tillmans. O artista veneziano Doug Aitken também apresenta um novo projeto chamado “Hole” (2026), que dura dois dias durante a exposição.
No centro do palco, “Apex” (2013), de Arthur Jaffa, faz sua estreia em Los Angeles. Amplamente considerada uma obra-prima da videoarte, sua trilha sincronizada com a mídia pulsa a partir de videoclipes, imagens de notícias e cultura pop para criar uma montagem atraente de conquistas culturais negras, cenas de terror e imagens locais.
“Apex” é exibido diretamente no auditório do primeiro filme de animação do cartunista do New York Herald, Vince McKay, “Little Nemo” (1911), que apresenta uma criança branca majestosa dançando com caricaturas enraizadas na performance de menestréis. Muitas vezes associado à representação do racismo como palco de invenção artística, “Pequeno Nemo” aqui é diferente. A trilha sonora assustadora do primeiro separa “Little Nemo” de sua lógica de sonho assombrosa, quebrando a ilusão de que Nemo – apesar de sua apresentação virtuosa – pode ser claramente distinguido de suas imagens extravagantes que o acompanham.
Se o filme mais antigo depende de uma hierarquia visual que separa os estereótipos raciais dos estereótipos raciais, “Apex” rejeita essa separação. Desmorona num caleidoscópio rítmico de emoção, crueldade e alegria, graça e tristeza. O efeito é exaustivo e deprimente.
“Doku the Flow” de Lu Yang toca durante a apresentação de “What a Wonderful World: A Sound Poem” apresentada pela Julia Stochic Foundation no Variety Arts Theatre no centro de Los Angeles.
(Carlene Steele/For The Times)
A montagem cinematográfica – iniciada por Sergei Eisenstein e revivida por Jean-Luc Godard – tornou-se um princípio organizador da exposição, à medida que as obras de arte competem pela atenção. Levará cerca de 12 horas para ver o show do início ao fim, mas Stoschek e Kettleman recomendam uma ou duas horas de perambulação sem rumo. O áudio de uma obra se transforma em outra, enquanto flashes de sons e imagens familiares – filmagens do 11 de setembro, uma faixa de Britney Spears – servem como o que Kettleman chama de “gatilhos de memória” que conectam experiências pessoais e compartilhadas.
Em uma varanda, uma gravação de 1965 do comovente “Sinnerman” de Nina Simone é ambientada em imagens do Arquivo da Marinha do Movimento dos Direitos Civis e dos protestos contra a Guerra do Vietnã. Em outro lugar, “Cidades de Ouro e Espelhos”, de Cyprian Gillard, mostra um bando de garotos bebendo em ruínas maias.» (2009), enquanto o close-up “Meditation on Violence” (1948) de Maya Dern captura a tradição taoísta da graça masculina.
“What a Wonderful World” trata a dissonância, a cacofonia e a intensidade como metáforas para a vida cotidiana.
“O mundo em si é elevado e amplo”, disse Kettleman, observando que o significado emerge quando as conexões familiares são afrouxadas, permitindo que a atenção se desloque para as lacunas entre elas.
O curador Udo Kettleman, à esquerda, e Julia Stoschek sentam-se na exposição “Doku the Flow” de Luo Yang de “What a Wonderful World: A Sound Poem”, que traz pela primeira vez a coleção original de videoarte de Stoschek para a América.
(Carlene Steele/For The Times)
Stoshik constrói sua coleção em torno do que ele chama de “arte com imagens”, encontrando peças que ficam na mente e mudando sutilmente o registro. O trabalho costuma ser difícil e confuso, mas o objetivo do espetáculo não é atrair o público à submissão.
“Queremos que as pessoas entrem, façam uma pausa, reflitam e saiam com uma mudança de perspectiva, com uma visão de esperança”, disse Stoschek.
Um senso de humor seco surge em lugares inesperados – como no espelho do banheiro, onde está instalado “The Making of a Monster” (1996), de Douglas Gordon. Um divertido momento de introspecção é sugerido quando Gordon coça o rosto com fita adesiva.
Ex-administrador da MOCA, Stoschek passou anos tentando trazer sua coleção para Los Angeles, que ele chama de “o berço visual moderno da imaginação cinematográfica”. O acesso a uma variedade de artes teatrais ofereceu a oportunidade perfeita. As artistas Dara Birnbaum e Elaine Sturtevant flanqueiam a entrada do prédio, homenageando as origens do teatro como centro cívico feminino. Figuras públicas proeminentes como Eleanor Roosevelt falaram lá antes de ser transferido para um local de vaudeville. Charlie Chaplin compareceu à cerimônia de abertura.
Várias Artes estão praticamente inativas desde a década de 1990, com aluguéis ocasionais e longos períodos de espaço vago. Com o tempo, tornou-se um símbolo de negligência e potencial não realizado na cidade de Los Angeles.
“Happiness (At Last) After 35,000 Years of Civilization (after Henry Darger e Charles Feuer)” de Paul Chan foi apresentada durante a apresentação de “What a Great World: A Sound Poem” no Variety Theatre no centro de Los Angeles.
(Carlene Steele/For The Times)
Atuar no teatro representou um momento de círculo completo para Aitken.
“Fui a um casamento de família lá quando tinha 5 anos e fui a um show punk underground quando era adolescente nos anos 80”, disse ele. Ele acrescentou que a exposição e seu cenário contradizem a narrativa popular de que Los Angeles “não tem história”.
Aitken traça o espírito orientador do edifício através da linhagem cultural irregular da cidade – ao longo da Rua Alameda e em lugares como LACE e Al’s Bar – onde artistas combinavam música e cinema em aquisições de lofts e estabelecimentos de vanguarda.
“Gerações de artistas herdaram a caixa branca e achamos que a arte deveria viver nesse espaço”, disse ele. “Essa é uma visão tão conservadora.”
“Que mundo maravilhoso”, disse ele, modelando uma forma alternativa de mostrar a história artística de Los Angeles – uma forma que corre paralelamente à narrativa dominante de Hollywood.
O exterior do Variety Arts Theatre, no centro de Los Angeles, que abre suas portas pela primeira vez em anos para sediar uma exposição de videoarte da Fundação Julia Stoschek.
(Carlene Steele/For The Times)
Kittelmann também vê o teatro físico como essencial para esse desejo.
“Existem lugares muito raros onde, quando as portas se fecham, você se esquece do mundo exterior e respira de uma maneira completamente diferente”, disse ele.
Através da exposição, o edifício pode mostrar a sua pele: as paredes são rebocadas, mas sem pintura, e a cave está repleta de bugigangas da sua longa e colorida história.
Poderosamente instalado no final do longo corredor do porão está “Untitled (Wave)” (2021) de Anne Imhof. No vídeo, a artista Eliza Douglas fica sozinha na praia, batendo repetidamente na água. Ao fazer isso, todo o resto desaparece, deixando apenas a imagem da resistência solitária contra uma força que não responde.
Numa época em que a maior parte da visualização acontece apenas em casa ou no telefone, “Que mundo maravilhoso» Enfatiza – quase enfaticamente – a concentração de massa como um ato radical.
“É uma carta de amor à arte baseada no tempo e uma carta de amor a Los Angeles”, disse Kettleman.
