2025 foi um ano repleto de momentos cinematográficos, emocionantes e devastadores, catárticos e divertidos. Muitos dos melhores filmes do ano apresentaram cenas que desde então se revelaram difíceis de esquecer. Alguns, como “One Battle After Another” de Paul Thomas Anderson, “Sinners” de Ryan Coogler e “No Other Choice” de Park Chan-wook, apresentavam momentos, falas e cenários memoráveis o suficiente para garantir listas inteiras por conta própria.
Na esperança de ser breve e abrangente, aqui estão apenas as sete melhores cenas de filmes de 2025.
A ferrovia subterrânea, “Uma batalha após a outra”
‘One Battle After Another’ tem várias cenas que podem ser consideradas algumas das melhores do ano, incluindo a perseguição climática de três carros nas altas colinas pavimentadas. Mas a sequência da ferrovia subterrânea do filme, seu passeio maníaco e cheio de angústia pela reserva de imigrantes do Sensei Sergio (Benicio del Toro), é tão impressionante e impressionante quanto qualquer cena que você poderia ter visto na tela grande este ano. O roteirista e diretor Paul Thomas Anderson e o diretor de fotografia Michael Bauman filmam a sequência com longas e manuais que não são apenas tecnicamente surpreendentes, mas aumentam a pressão vertiginosa de toda a peça.
E isso sem falar das brigas que acontecem entre Sensei Sergio e Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio) ao longo da cena, ou a maneira compassiva como o primeiro – mesmo em meio a todo o caos do momento – garante que Bob conheça e aprenda o nome de cada imigrante que ele acolhe.
A apresentação final, “Hamnet”
Talvez não haja peça de cinema mais poderosa lançada este ano do que os últimos 20 minutos de Hamnet, da diretora Chloé Zhao. Através dos olhos da enlutada Agnes de Jessie Buckley, os espectadores assistem a uma humilde performance de “Hamlet” no palco. Embora a princípio confusa e irritada com o uso do nome de seu filho na peça, Agnes passa a ver os detalhes pessoais imbuídos na história por seu marido, William Shakespeare (Paul Mescal). Ela começa a se ver na peça, assim como todos os outros no teatro, que choram coletivamente por seu herói condenado, que leva o nome de seu falecido filho (Jacobi Jupe), junto com ela.
Alguns argumentaram que o final de “Hamnet” não chega porque “Hamlet” em si não é um reflexo 1:1 da história de Agnes e Will, mas este escritor argumentaria que é precisamente por isso que fazer trabalhar. Agnes encontra significado e catarse em “Hamlet”, da mesma forma que todos nós encontramos em histórias que muitas vezes têm muito pouca semelhança com nossas próprias vidas. Nos emocionantes momentos finais de seu novo filme, Zhao captura o fenômeno milagroso e profundamente humano na tela em uma série de pistas musicais, imagens, clipes e close-ups que juntos criam uma experiência cinematográfica eufórica. Ver o final de “Hamnet” é ver um dos mais belos aspectos da existência humana representado plenamente, com todo o seu poder, na tela.
Memento Mori, “28 Anos Depois”
“28 Anos Depois” atinge seu clímax emocional devastador no ato final. Quando o jovem herói Spike (Alfie Williams) e sua mãe doente, Isla (Jodie Comer), finalmente conhecem o Dr. Ian Kelson (Ralph Fiennes), ele os acompanha até seu porto seguro: um templo feito de ossos humanos. Lá, Kelson realiza um exame em Isla e determina que ela tem câncer e que ele se espalhou a tal ponto que ninguém pode salvá-la.
O que se segue é um confronto com a morte, uma compreensão de que todas as coisas devem ter um fim, com Kelson proporcionando a Isla uma passagem mais pacífica. Guiada pelas performances excepcionais de Fiennes, Williams e Comer, toda a sequência se torna uma maravilha estranha, mórbida e inesperada, comoventemente comovente. É uma das melhores cenas que o diretor Danny Boyle e o roteirista Alex Garland já criaram – juntos ou separadamente.
Canção de Sammie, “Pecadores”
Se 2025 tem uma cena de filme marcante, provavelmente é esta. “Sinners”, do roteirista e diretor Ryan Coogler, passa grande parte de sua primeira hora construindo pacientemente sua segunda metade emocionante e encharcada de sangue. Ele envia os espectadores correndo para a última seção com uma performance central do jovem tocador de blues Sammie (Miles Caton) tão poderosa que não apenas evoca espíritos do passado e do futuro, incluindo guitarristas, DJs e dançarinos de twerk, mas também queima espiritualmente o teto e as paredes ao seu redor. Coogler encena esta sequência como uma tomada ininterrupta de steadicam que serpenteia pelo local de Sammie, passando pelos muitos espíritos vestidos de forma anacrônica e no ritmo da partitura abrasadora e em camadas do compositor Ludwig Göransson.
Esta sequência e sua mudança repentina e abrupta para o mundo espiritual e metafórico representam um grande balanço da parte de Coogler. Dizer que está conectado seria um eufemismo. Como uma peça de cinema atlético, é impecável. Mas funciona ainda melhor como representação visual dos temas do filme e como reconhecimento do papel que a música pode desempenhar na expressão e na cura da dor e da esperança de toda uma cultura. Ele envia “Pecadores” e espectadores direto para a estratosfera, mesmo que apenas por alguns momentos.
Dever do júri, “Desculpe, baby”
“Sorry, Baby”, da roteirista e diretora Eva Victor, conta sua história em capítulos separados e de formato distinto, nenhum dos quais provavelmente ficará na mente dos espectadores por mais tempo do que o desvio do júri. Um conto em si, a cena segue Agnes de Victor enquanto ela luta para encontrar seu lugar em um processo diário de seleção do júri. Depois de instintivamente levantar a mão quando os jurados presentes são questionados se algum deles foi vítima de um crime, Agnes acaba sendo questionada indiretamente sobre sua agressão sexual na faculdade e suas consequências.
A cena serve tanto como um testemunho da força da escrita esparsa de Victor quanto como uma exploração agridoce da rigidez do sistema jurídico, sua definição binária da lei e quão inadequado é para cuidar de vítimas de estupro e abuso. Hettienne Park, por outro lado, apresenta uma das melhores atuações de uma cena do ano como a advogada que lentamente percebe a natureza e a complexidade do trauma de Agnes. Quando isso acontece, sua eventual demissão de Agnes do júri é ao mesmo tempo um alívio e um soco no estômago.
O argumento de venda, “Valor sentimental”
Há muitas coisas para gostar em “Valor Sentimental”, do diretor Joachim Trier, mas nenhuma mais impressionante do que seu retrato sério e claro de disfunções familiares e traumas geracionais. Em nenhum lugar do filme esse aspecto é transmitido com mais força do que quando o cineasta e pai distante Gustav Borg (Stellan Skarsgård) conhece sua filha Nora (Renate Reinsve) em um café local e oferece a ela o papel principal em seu próximo filme, ao mesmo tempo que entrega a ela o roteiro completo e completo. Reinsve e Skarsgård apresentam duas das melhores atuações do ano em “Sentimental Value”, e o poder de ambos os seus turnos está em plena exibição nesta cena.
Observe a confusão nos olhos de Nora enquanto ela se esforça para entender o que seu pai está pedindo, bem como a decepção quando ela percebe que não receberá dele o pedido de desculpas ou o conforto que há muito desejava. Enquanto estiver lá, observe também o desespero nos olhos de Skarsgård, o desejo de fazer sua filha entendê-lo, que é limitado por sua incapacidade de se explicar. Há uma dor imensa e silenciosa nos olhares de ambos os atores. A dor da desconexão dos personagens borbulha repentinamente, sem aviso, dando a esta conversa simples o poder emocional de um trem de carga.
A morte a três, “Sem outra escolha”
Nenhum cineasta vivo faz com que bloqueios complexos pareçam tão fáceis quanto o diretor de “No Other Choice”, Park Chan-wook. Isso se aplica a várias cenas de seu último filme, inclusive quando o protagonista desesperado e desempregado Yoo Man-su (Lee Byung-hun) se propõe a matar Goo Beom-mo (Lee Sung-min), um de seus concorrentes por uma posição que será aberta em breve. A tentativa de assassinato de Man-su rapidamente dá errado, primeiro quando Beom-mo descobre a infidelidade de sua esposa (Yeom Hye-ran) e depois novamente quando ela deixa Man-su aqui.
Os três assassinos ineptos lutam pela arma de Man-su em uma sequência que usa brilhantemente a comédia física e negra para transformar um simples cenário de ação em um passeio emocionante e exasperante. O voo subsequente de Man-su por várias estradas sinuosas na floresta, como a inesquecível cena do enforcamento em “The Handmaiden” de 2016, é outro exemplo de Park adotando uma espécie de senso de comédia física de desenho animado e ação ao vivo “Looney Tunes”. Basta dizer que compensa muito. A compreensão e o olhar incomparáveis do diretor para a geografia da tela widescreen estão, para simplificar, em plena exibição ao longo desta cena e de muitas outras em “No Other Choice”.
