Na manhã das indicações ao Oscar, Chloé Zhao encerrou uma filmagem noturna às 4 da manhã e depois seguiu para LAX para um vôo às 7 da manhã para Sundance, onde recebeu o Prêmio Trailblazer. Em seus olhos cinzentos, ela descobriu que “Hamnet”, que ela dirigiu e co-escreveu com a autora do romance, Maggie O’Farrell, havia recebido oito indicações, incluindo melhor filme, melhor diretor, melhor roteiro adaptado e melhor atriz para Jessie Buckley.
Houve expressões de gratidão dos indicados ao filme – mas em vez de divulgar seus próprios agradecimentos por escrito, Zhao compartilhou um vídeo. Foi uma homenagem ao que circulou recentemente online, no qual ela e todo o elenco de “Hamnet”, fantasiados no set do Globe Theatre, dançam em êxtase ao som de “We Found Love”, de Rihanna. No novo vídeo, Zhao mostra a tela do iPhone para a câmera, aperta o play na mesma batida de Rihanna e dança na área de espera de um aeroporto, suas mãos bombeando ao som da música que só ela consegue ouvir através de seus fones de ouvido roxos.
“Eu simplesmente não tinha palavras”, disse Zhao via Zoom na semana seguinte, de volta a Los Angeles. “Senti-me muito grato e feliz por todos. E a sensação que tivemos no Globe Theatre, dançando naquele clipe – não há palavras para descrever. Então, quando algo assim acontece… sinto o mesmo tipo de aldeia. Tudo que posso expressar é com meu corpo – o mais articulado no momento.”
Zhao geralmente não se esforça para transmitir seus pensamentos. (As conversas com ela são ricas e provavelmente incluem referências a Carl Jung, ao princípio taoísta de yin e yang e várias metáforas relacionadas às quatro estações do jardim criativo.) Mas há algo de perfeito no diretor de um filme tão primitivo em sua exploração da emoção humana que se comunica sem palavras.
“Hamnet” é a história de como Agnes (Jessie Buckley) e William Shakespeare (Paul Mescal) lamentam a morte de seu filho de 11 anos, Hamnet (Jacobi Jupe), na Inglaterra elisabetana – ela externalizando sua devastação e ele olhando para dentro e transformando sua dor em uma das maiores peças da língua inglesa, “Hamlet”. O filme nos pede para considerar o poder da catarse criativa com profunda sinceridade e, desde sua estreia em Telluride, no outono passado, deixou o público soluçando. Muitos de nós ficamos com o coração apertado por vários dias.
Para Zhao, que em 2021 se tornou a segunda mulher a ganhar o Oscar de Melhor Diretor (por “Nomadland”)reações como essa são o maior elogio que ela pode imaginar. “Espero que cada espectador que sai do teatro sentindo o que sente perceba que isso é um lembrete de nossa enorme capacidade de amar”, disse ela. “É realmente ótimo. É o remédio que o mundo precisa – aquela capacidade de empatia e amor. Infelizmente, do outro lado disso está o sofrimento. Mas um não pode existir sem o outro.”
Você já esteve nessa posição antes, na premiação de um filme reconhecido. Mas “País nômade“ foi lançado em 2020, durante a pandemia, e a temporada de premiações estava quase chegando tudo virtual até o Oscar em escala reduzida na Union Station. Isso deve ser diferente experiência.
É completamente diferente. Eu nunca tinha ido a nenhuma premiação, exceto o Oscar da Union Station. E então, todas as premiações que vou nessa trilha, é tudo pela primeira vez. Nunca estive rodeado de tantas pessoas que conheço; Nunca estive em uma sala cercada por esse tipo de energia. Não posso dizer que seja mais fácil ou menos emocionante porque nunca fiz isso antes. É tudo completamente novo para mim.
O clima cultural é certamente diferente. “O porto“ está fora quando parece que o mundo caindo aos pedaços –
Bem, “Nomadland”… (Rindo) É um desmoronamento diferente, porque (com a pandemia), de uma forma estranha, tivemos um desastre natural. Então encontramos uma humanidade comum enquanto lutávamos contra algo maior que nós. Agora é diferente. É a polaridade, a divisão e a nitidez entre nós. Provavelmente é mais difícil em alguns aspectos.
E “O porto“ ofereceu ao público uma sensação de conforto por meio da comunidade experiência da arte. O momento no Globe, quando Agnes se aproxima do ator interpretar uma versão de seu filho morto no palco se tornou um farol para muitas pessoas. Você acha que esse gesto é ainda mais necessário agora do que quando você o fez? o filme?
Para mim, nunca se trata de “OK, deixe-me ver o que o mundo precisa”. Meu professor espiritual, Carl Jung, realmente acreditava que o trabalho deveria ser primeiro interno. Como artista, sinto que às vezes é mais fácil olhar para fora: “O que o mundo exterior precisa? Porque é muito difícil olhar para dentro. Mas o que precisamos internamente é do medicamento que o mundo exterior precisa. Então fui guiado por este interior: “O que eu preciso? Qual é a dor aqui? O que sinto? Como posso expressá-la e estabelecer uma conexão?”
Quando o filme saiu, é quase como se o desejo fosse transferido. Essa união em todas as visualizações definitivamente não é algo que eu experimentei antes. E isso me faz sentir muito esperançoso como contador de histórias. A humanidade compartilhada é tão inegável. Basta-nos deitar fora todo o cinismo e proteccionismo e demonstrá-lo.
Fazer este filme não muda os problemas com os quais estou lidando na minha vida. Ainda carrego as mesmas mágoas e cicatrizes, mas isso me deu ferramentas e fé para saber que não há problema em suportar esse desconforto.
Devemos viver como Agnes, cuja mãe lhe disse: “Vá em frente seu coração aberto.”
Especialmente agora. Aqueles que puderem, devemos manter nossos corações abertos.
“Hamnet” tocou muitos públicos e ajudou as pessoas a lidar com a dor. Eu me pergunto se isso teve um efeito semelhante em você, mudando a forma como você pensa sobre alguns dos grandes temas do filme – vida, amor, morte.
Alguém me disse recentemente, o que me ajudou a articular isso muito melhor do que há alguns meses, que o luto é a placenta de que precisamos para renascer. Quando perdemos algo precioso – seja uma pessoa, um emprego ou até mesmo um propósito, a fé – quando perdemos algo que nos definia, e quando essa coisa não está mais em nossas vidas, a versão de nós mesmos que existia naquela vida está morta. E assim, para avançarmos na vida e não ficarmos presos nela, temos que renascer numa versão de nós mesmos e não ter mais aquela coisa ou pessoa em nossas vidas. E o processo inverso requer uma placenta, e essa placenta é, na verdade, luto. A falta de tempo e espaço e até mesmo o direito ao luto significa que muitos de nós estamos presos e que nunca renasceremos.
O que acontece na placenta – ou você pode chamar de tetina – é o desconforto de triturá-la até virar mingau para renascer. Como você se sente nessa tensão? E há duas coisas para mim, criatividade e comunidade, uma interna, uma externa, e ambas se alimentam. Portanto, fazer este filme não muda os problemas com os quais estou lidando na minha vida. Ainda carrego as mesmas mágoas, cicatrizes e desafios, mas isso me deu ferramentas e fé para saber que não há problema em suportar esse desconforto. E tenho que ficar sentado nele porque não quero ficar preso.
Agnes estava presa. A criatividade do homem em seu trabalho (deu a ela) um recipiente para a imensa dor que ela sente. E a comunidade naquele teatro (assistindo “Hamlet”), foi o que foi preciso para ela renascer.
Steven Spielberg é um dos produtores do seu filme. Ele dar-lhe algum conselho, de cineasta para cineasta, que tenha sido particularmente útil?
Ele me deu dois. Um era um conselho mais abrangente, o outro era uma nota muito específica. Quando Maggie e eu lhe enviamos nosso primeiro rascunho, ele adorou o roteiro. Ele quase não tinha anotações, mas disse: “Acho que você está perdendo um momento pai-filho”. O livro não tinha isso; nós meio que não pensamos sobre isso. Foi então que escrevemos (a cena em que Will pergunta a Hamnet, antes de ir para Londres): “Você será corajoso?” Steven ficou tão feliz quando viu aquela cena.
E aí na edição o filme ficou bem mais longo; houve cenas que eu absolutamente amei (que foram) uma grande parte do livro. Ele disse: “Chloé, não sei como você vai fazer isso, mas prometo a você, por favor, me escute: você tem que nos levar ao Globe mais rápido”. Porque havia cerca de mais 15 minutos entre eles. Steven disse: “O público não aguenta”. Ele confia no meu processo, então quando ele disse isso, eu escutei.
Houve mais cenas de Agnes de luto?
Sim. No livro, grande parte da história é ela sozinha naquela casa com as duas (filhas), pois ela conseguia sentir os fantasmas de seus entes queridos. Mas por alguma razão ela não consegue encontrar Hamnet. E esta é a sua própria jornada para tentar entender: “Onde ele está? Por que não consigo encontrá-lo?” Filmamos todas essas cenas com Jessie e as meninas e momentos com (sua sogra) Mary. Espero que um dia alguém faça uma minissérie apenas sobre as mulheres de Stratford. O livro aborda (as irmãs de Hamnet) Judith e Susanna, e Mary, como seu relacionamento com Agnes se desenvolveu. É a casa – eu simplesmente adoro isso. Tentei incluí-lo, mas simplesmente não havia espaço para isso.
O que você deve fazer a seguir? Você dirigiu o piloto para novo “Buffy, a Caçadora de Vampiros“ série, mas onde você vai como cineasta depois “O porto“?
As quatro estações do meu jardim criativo – no momento ele hibernou. Acho que todos precisamos de um período de compostagem, idealmente, antes de (plantarmos) uma nova semente, porque o solo não é saudável. Você pode cultivá-lo, mas não crescerá com a energia que senti quando cresci “Hamnet”. Tenho feito compostagem no ano passado – um composto intenso – então posso ver a primavera chegando.
Eu diria que há um três e três acontecendo aqui. Meus primeiros três filmes (“Songs My Brothers Taught Me”, “The Rider” e “Nomadland”) são muito sobre pertencimento no sentido individual. “Eternals” e “Hamnet” são muito existenciais. Em última análise, eles tratam dessa unidade e do yin e do yang. Então eu acho que é outro.
Somos ambos estudantes do Mount Holyoke College.
Não! Qual classe?
Sou muito mais velha que você, irmã! Eu me formei em 97. Você era da turma de 2005 e se formou em política, certo?
Sim, a política americana.
Então, quando você era estudante, antes de ir para a NYU fazer cinema escola, você já se imaginou fazendo filmes como “o porto,“ quem desenhou elogios de Bong Joon Ho, Tony Kushner, Jane Fonda e Walter Salles, entre outros? Eu também li o do Terrence Malick ligou diretamente para você para dizer o quanto ele adorou.
(Sorrindo) Definitivamente não fiz isso, porque parecia muito irreal. Eu não tinha conexões na indústria. Eu iria entrar na política, na elaboração de políticas, mas mais para construir comunidades locais. Levei quatro anos para ficar desanimado e desiludido. Eu não queria ser uma engrenagem de uma grande máquina. Mesmo assim, pude sentir intuitivamente que os fundamentos não estavam funcionando. Então fiquei muito perdido por quatro anos depois de me formar, vagando pelas ruas de Nova York depois de servir um bar às 4 da manhã (me perguntando): “O que eu preciso?”
Dormir?
Sim, preciso dormir! (Rindo) Também preciso de amor, preciso me sentir seguro, preciso de casa. Preciso me sentir conectado e com um senso de propósito. Novamente, tratava-se de olhar para dentro. Pensei: Bom, contar histórias sempre foi minha forma, desde pequena, de fazer algum tipo de conexão. Eu era o contador de histórias no meu jardim de infância. Fui eu que inventei histórias sobre todo mundo: “Então eu e você e esses três amigos, ficaremos… E o alienígena vem e…” Então pensei, vamos tentar.
Foi quando decidi tentar a escola de cinema. Milagrosamente, entrei. Isso mudou minha vida, obviamente. Caso contrário, ainda seria bartender, contaria histórias no bar, receberia dicas extras e ouviria histórias.
Uma versão desta história foi publicada pela primeira vez na edição do Guia de Indicações ao Oscar da revista de premiação TheWrap. Leia mais sobre o assunto aqui.
